Mit „Maus, Geld, Gespenst“ hat das Schauspiel Essen in Kooperation mit den Ruhrfestspielen Recklinghausen ein preisgekröntes Erstlingswerk auf die Bühne gebracht.

Die in Beijing geborene und in Sydney, London und Berlin aufgewachsene Autorin Sunan Gu erhielt dafür 2025 den erstmals vergebenen „Volksbühnenpreis für Theaterliteratur“ für Nachwuchsautoren. Entsprechend hoch waren die Erwartungen – und tatsächlich zeigt sich die große poetische und gedankliche Kraft des Textes. Gu entwirft ein dichtes Geflecht aus Trauer, Einsamkeit, familiären Erwartungen und kulturellen Konflikten zwischen Berlin und Beijing. Gleichzeitig leidet das Stück jedoch an einem typischen Problem vieler Debüttexte: Es will zu viel auf einmal.

Im Zentrum stehen fünf Figuren, deren Geschichten miteinander verwoben sind. Die Sexarbeiterin Lin versucht Geld für ihren Bruder Ming zu verdienen, der unter dem Druck seiner Familie leidet und um seine verstorbene Frau Lina trauert. Lina starb an Krebs, nachdem sie Medikamente verweigert hatte. Auch ihre Schwester Sarah verarbeitet den Verlust. Sie arbeitet im Labor, seziert Mäuse und macht die chinesische Kultur für Linas Tod verantwortlich. Ihre Beziehung zu Feng, die auf YouTube vor laufender Kamera lebende Mäuse verschlingt, fügt dem Abend eine weitere groteske Ebene hinzu. Hinzu kommt Mr. Maus, ein vereinsamter, hoch verschuldeter Mann, der in Lin seinen verstorbenen Sohn wiederzuerkennen glaubt.

Statt sich auf die Figuren, ihre Ängste, ihre Trauer und ihre Beziehungen zu konzentrieren, überlädt der Text den Abend zunehmend mit weiteren gesellschaftlichen und symbolischen Ebenen wie wandelnde Fleischberge, rebellierende Mäuse, Kapitalismuskritik, kulturelle Identitätsfragen und Medienbilder.. Dadurch verliert das Stück an Klarheit und emotionaler Konzentration. Der Vorlage fehlt auch stellenweise die nötige Theatralik. Häufig reihen sich Monologe aneinander; echte Dialoge und unmittelbare Interaktionen zwischen den Figuren bleiben rar. Diese Distanz verstärkt die Inszenierung von Ruth Mensah zusätzlich: Die Schauspieler tragen starre Maskenköpfe mit aufgemalten Gesichtern, wodurch die Figuren bewusst entrückt erscheinen.

Umso bemerkenswerter ist die Leistung des Ensembles. Mansur Ajang, Christopher Heisler, Maddy Forst, Katharina Bogdanova Petrova und Pablo Alvarado gelingt es dennoch, ihren Figuren Leben einzuhauchen. Ohne Mimik, allein durch Körperhaltung, Gestik und vor allem präzise Sprachmodulation, erzeugen sie eine erstaunliche Ausdruckskraft. Mitunter entsteht tatsächlich der Eindruck, als würden die starren Masken Gefühle zeigen. Die Bühne von Yuni Hwang erinnert an eine sterile Laborsituation, in der die Figuren wie Mäuse im Hamsterrad immer wieder um eine kahle Wand kreisen. Auch die Kostüme von Shayenne Di Martino schaffen mit ihrer Mischung aus westlichen und chinesischen Elementen eine interessante kulturelle Schwebe.

Trotz vieler eindringlicher Momente trägt die Inszenierung den fast zweistündigen Abend letztlich jedoch nicht vollständig. Die emotionale Distanz, die durch Text und Regie erzeugt wird, verhindert echte Nähe zu den Figuren. So entsteht trotz aller Emotionalität zunehmend Ermüdung.
Sigrid Riemer